Amon Amarth: entre el death metal melódico y los grandes escenarios

Amon Amarth es una de esas bandas que han conseguido construir una identidad completamente reconocible dentro del metal. Basta escuchar unos cuantos segundos de sus guitarras melódicas, sus ritmos de batalla y la característica voz gutural de Johan Hegg para identificar a los suecos.

Desde su formación en 1992, la agrupación ha dedicado buena parte de su carrera a convertir la historia escandinava y la mitología nórdica en canciones de death metal melódico.

Sin embargo, el grupo que escuchábamos en Once Sent from the Golden Hall (1998), Versus the World (2002) o Fate of Norns (2004) tiene diferencias importantes con el que actualmente encabeza festivales internacionales y realiza espectáculos de gran formato.

Conforme fue creciendo su popularidad, Amon Amarth comenzó a incorporar composiciones más accesibles, estribillos memorables y estructuras diseñadas para conectar con públicos cada vez más numerosos.

Discos como With Oden on Our Side (2006) y Twilight of the Thunder God (2008) fueron fundamentales en este proceso, combinando una agresividad considerable con algunas de las melodías más memorables de su discografía.

Posteriormente, canciones como Raise Your Horns, The Way of Vikings y Put Your Back into the Oar terminaron consolidando una fórmula que funciona extraordinariamente bien en los conciertos.

Y es precisamente dentro de este contexto donde aparece su decimotercer álbum de estudio.

The Allfather Awakens: el regreso del Padre de Todos

Publicado el 2 de octubre de 2026 a través de Metal Blade Records, The Allfather Awakens está compuesto por diez canciones con una duración aproximada de 46 minutos.

Desde el punto de vista musical, el álbum continúa buena parte del camino establecido en The Great Heathen Army (2022).

Encontramos riffs pesados, melodías épicas, una producción moderna y esa combinación entre agresividad y accesibilidad que ha definido a la banda durante su etapa más reciente.

Pero el aspecto más interesante del disco quizá esté en sus letras.

Aunque Amon Amarth siempre ha utilizado la mitología nórdica como una fuente de inspiración, en esta ocasión buena parte de las composiciones gira alrededor de Odín, el Padre de Todos, y su búsqueda incesante de sabiduría.

Y es que Odín no es solamente el dios guerrero y tirano que solemos imaginar.

También es una divinidad relacionada con la poesía, la magia, la muerte, el conocimiento y el destino. Una figura compleja que, a pesar de su extraordinario poder, experimenta miedo, incertidumbre y la necesidad de comprender aquello que no puede controlar.

Esa dualidad se convierte en uno de los hilos conductores del álbum.

Aunque las canciones no desarrollan una única historia cronológica, sus referencias permiten recorrer algunos de los acontecimientos más importantes de los relatos nórdicos.

A continuación, analizamos las diez composiciones, tanto desde su propuesta musical como desde las historias que cuentan.

1. Gjallarhorn: el sacrificio de Odín por la sabiduría

El álbum comienza con Gjallarhorn, una composición que establece inmediatamente el sonido de Amon Amarth en su etapa actual.

La canción combina guitarras melódicas, una batería de ritmo galopante, riffs contundentes y un estribillo de carácter épico que parece diseñado para conectar con el público de sus conciertos.

Es una apertura que apuesta por una estructura familiar, pero efectiva: fuerza, melodía y una atmósfera que prepara al oyente para un recorrido por las leyendas nórdicas.

La historia detrás de Gjallarhorn

La canción relata uno de los acontecimientos más conocidos de la mitología nórdica: el sacrificio del ojo de Odín.

Según los relatos, Odín emprendió un viaje hasta el pozo de Mímir, una fuente que contenía conocimientos extraordinarios sobre el universo.

Mímir, su guardián, era un ser de inmensa sabiduría que conocía secretos inaccesibles incluso para algunos dioses.

Sin embargo, beber de aquellas aguas tenía un precio.

Para obtener ese conocimiento, Odín debía entregar uno de sus ojos.

Y el dios aceptó el intercambio.

Este sacrificio representa una de las principales características de Odín: su disposición a renunciar a algo valioso para comprender mejor el mundo.

¿Quién era Mímir? En la mitología nórdica, Mímir es una figura asociada con la sabiduría y el conocimiento ancestral. Custodia un pozo situado bajo una de las raíces de Yggdrasil, el árbol cósmico. En otros relatos, su cabeza es conservada por Odín mediante magia para poder seguir consultándole.

¿Qué es el Gjallarhorn? Es un cuerno relacionado principalmente con Heimdall, el guardián de los dioses, quien deberá hacerlo sonar para anunciar el Ragnarök. Sin embargo, también aparece asociado con las aguas del pozo de Mímir en la tradición poética nórdica.

Análisis y significado

Lo interesante de esta canción es que presenta la sabiduría como algo que debe conquistarse mediante sacrificios.

Odín pierde parte de su capacidad física para adquirir una comprensión superior del universo.

Musicalmente, Gjallarhorn resulta una declaración de intenciones: Amon Amarth conserva su identidad, pero apuesta por un equilibrio entre contundencia y melodías fácilmente reconocibles.

No pretende reinventar su estilo. Busca demostrar que todavía puede utilizarlo para construir himnos épicos.

2. Eight Legs of Thunder: Sleipnir y el destino inevitable

Eight Legs of Thunder mantiene la intensidad del comienzo del disco y utiliza un ritmo que acompaña perfectamente la naturaleza de su protagonista.

Las guitarras y la batería transmiten una sensación constante de movimiento, evocando una cabalgata hacia el campo de batalla.

Las melodías heroicas y la instrumentación contundente refuerzan la atmósfera de una guerra inevitable.

La historia detrás de Eight Legs of Thunder

La canción está dedicada a Sleipnir, el caballo de ocho patas de Odín.

La narración nos transporta a los acontecimientos del Ragnarök, cuando los dioses deberán enfrentarse a las fuerzas responsables de la destrucción del mundo.

Odín se prepara para combatir, aunque conoce perfectamente el destino que le espera.

Las profecías anuncian que Fenrir, el gigantesco lobo hijo de Loki, terminará devorándolo durante la batalla.

Sin embargo, el Padre de Todos no intenta escapar.

En lugar de rendirse, cabalga hacia su destino acompañado por Sleipnir.

¿Quién es Sleipnir? Es el caballo de ocho patas de Odín, considerado el mejor de todos los corceles. Su origen es particularmente extraño: Loki, transformado en yegua, quedó preñado del semental Svaðilfari y posteriormente dio a luz a Sleipnir. Su extraordinaria velocidad le permite recorrer grandes distancias y viajar entre distintos mundos.

¿Quién es Fenrir? Es un lobo gigantesco, hijo de Loki y la giganta Angrboða. Los dioses lo encadenaron por temor a su poder y a las profecías relacionadas con él. Durante el Ragnarök rompe sus ataduras, devora a Odín y finalmente muere a manos de Víðarr, hijo del propio dios.

Análisis y significado

Más allá de su evidente temática bélica, la canción también puede interpretarse como una historia sobre la lealtad.

Odín sabe que probablemente no regresará del enfrentamiento, pero confía en su compañero hasta el último momento.

El mensaje es claro: no siempre podemos decidir nuestro destino, pero sí podemos elegir cómo enfrentarlo.

Musicalmente, la composición demuestra que Amon Amarth continúa dominando ese estilo galopante que tan bien funciona en sus canciones de temática guerrera.

3. Kvasir’s Blood: el asesinato que dio origen a la poesía

Kvasir’s Blood ofrece una atmósfera más sombría, con riffs densos y una mayor sensación de oscuridad.

La voz de Johan Hegg adquiere un protagonismo particular, mientras las guitarras mantienen la combinación entre contundencia y melodía.

La composición acompaña una de las historias más elaboradas y sorprendentes del álbum.

La historia detrás de Kvasir’s Blood

Todo comienza después de una guerra entre dos grupos de dioses: los Æsir y los Vanir.

Para simbolizar su reconciliación, los dioses mezclaron su saliva en un recipiente.

De aquella unión nació Kvasir, un ser tan sabio que podía responder prácticamente cualquier pregunta.

Kvasir comenzó a viajar compartiendo sus conocimientos, pero terminó encontrándose con dos enanos llamados Fjalar y Galar.

Estos decidieron asesinarlo y mezclar su sangre con miel, creando una bebida extraordinaria: el hidromiel de la poesía.

Según la mitología, quien consumiera esta bebida adquiriría inspiración poética y sabiduría.

Después de varios acontecimientos violentos, el hidromiel terminó en manos del gigante Suttungr, quien lo escondió dentro de una montaña.

Odín, enterado de su existencia, decidió recuperarlo mediante engaños.

Consiguió entrar en la montaña, beber el hidromiel y escapar transformándose en un águila.

¿Quién era Kvasir? Era un ser creado tras la reconciliación de los Æsir y los Vanir. Su extraordinaria sabiduría lo convirtió en una figura asociada con el conocimiento y la inspiración. Su asesinato dio origen al hidromiel de la poesía, uno de los objetos mágicos más interesantes de la mitología nórdica.

¿Qué es el hidromiel de la poesía? Es una bebida elaborada con miel y la sangre de Kvasir, capaz de conceder talento poético y sabiduría. Tras ser obtenida por Odín, quedó relacionada con la inspiración de los poetas y el poder de las palabras.

¿Quién era Suttungr? Un gigante que obtuvo el hidromiel como compensación por los asesinatos cometidos por Fjalar y Galar. Lo escondió en una montaña bajo la vigilancia de su hija Gunnlöð, hasta que Odín consiguió apoderarse de él.

Análisis y significado

Lo más interesante es el contraste con Gjallarhorn.

En la primera canción, Odín obtiene sabiduría mediante el sacrificio personal.

Aquí la consigue utilizando el engaño.

Esto demuestra que el Padre de Todos no debe entenderse como una divinidad completamente noble o virtuosa.

Es un personaje moralmente complejo, capaz de recurrir a métodos cuestionables cuando considera que el objetivo lo justifica.

Y esa complejidad es precisamente uno de los mayores atractivos narrativos del álbum.

4. We Rule the Waves: el dominio de los mares y las expediciones vikingas

Si hablamos de canciones construidas para funcionar en grandes conciertos, We Rule the Waves es uno de los ejemplos más evidentes del álbum.

Tenemos un ritmo directo, riffs accesibles y un estribillo memorable que encaja perfectamente con la etapa moderna de Amon Amarth.

Aquí la banda prioriza la contundencia y la capacidad de conectar con el público, en lugar de buscar estructuras demasiado complejas.

La historia detrás de We Rule the Waves

A diferencia de las canciones anteriores, esta composición no gira alrededor de Odín ni de un acontecimiento mitológico concreto.

Su protagonista es el espíritu explorador y conquistador de los pueblos vikingos.

La letra celebra las expediciones marítimas que llevaron a los escandinavos a recorrer el mar del Norte, atravesar ríos europeos y alcanzar territorios extraordinariamente lejanos.

Sus embarcaciones permitían navegar tanto en aguas abiertas como en ríos relativamente poco profundos, proporcionando una importante ventaja para el comercio, la exploración y los ataques costeros.

La canción también remite a Vinland, una región de América del Norte explorada por navegantes nórdicos alrededor del año 1000.

¿Qué era Vinland? Es el nombre que aparece en las sagas nórdicas para referirse a una región de América del Norte explorada por los escandinavos. Sus relatos están relacionados con Leif Erikson y otros navegantes procedentes de Groenlandia. La presencia nórdica en el continente está confirmada arqueológicamente en L’Anse aux Meadows, Canadá.

Análisis y significado

Desde una perspectiva histórica, la canción presenta una visión romántica de los vikingos como guerreros y conquistadores.

Sin embargo, conviene recordar que las sociedades escandinavas de la Era Vikinga también desarrollaron actividades agrícolas, comerciales y de colonización.

Musicalmente, We Rule the Waves representa una de las principales virtudes y uno de los principales riesgos de Amon Amarth.

Por un lado, su facilidad para componer canciones épicas que conectan inmediatamente con el público.

Por otro, la posibilidad de que esa fórmula termine perdiendo originalidad cuando se utiliza de manera demasiado frecuente.

5. Upphaf: el origen del universo según la mitología nórdica

Llegamos a una de las mayores sorpresas de The Allfather Awakens.

Upphaf es una composición acústica que se aleja considerablemente de la fórmula habitual de Amon Amarth.

En lugar de guitarras eléctricas distorsionadas y ritmos de batalla, encontramos una atmósfera solemne, arreglos acústicos y un enfoque que recuerda a la transmisión oral de las antiguas leyendas.

La canción representa una pausa dentro del álbum, pero también demuestra que la identidad musical de Amon Amarth puede explorarse desde una perspectiva diferente.

La historia detrás de Upphaf

El título significa aproximadamente «origen» o «comienzo».

Su letra adapta las primeras cinco estrofas del Völuspá, uno de los poemas más importantes de la Edda poética.

El relato comienza con una vidente que describe el universo antes de la existencia del mundo.

En aquel tiempo primordial todavía no existían la Tierra, el cielo ni los seres humanos.

La narración hace referencia a los primeros gigantes, al vacío original y a la intervención de los dioses en la creación del cosmos.

Uno de los personajes fundamentales es Ymir, el gigante primordial cuyo cuerpo terminaría siendo utilizado para formar el mundo.

¿Quién era Ymir? Es un gigante primordial que aparece en los relatos nórdicos sobre el origen del universo. Según la Edda prosaica, Odín y sus hermanos lo mataron y utilizaron su cuerpo para crear el mundo: su carne se convirtió en tierra, su sangre en mares, sus huesos en montañas y su cráneo en el cielo.

¿Qué es el Völuspá? Es uno de los poemas fundamentales de la Edda poética. Su título puede traducirse como «La profecía de la vidente». A través de una narradora que conoce acontecimientos extraordinarios, presenta el origen del universo, episodios de los dioses, el Ragnarök y el posterior renacimiento del mundo.

Análisis y significado

La decisión de incluir una composición acústica resulta especialmente interesante en una banda que ha construido buena parte de su identidad alrededor de riffs contundentes y voces guturales.

En este caso, la ausencia de agresividad instrumental no significa que desaparezca la atmósfera épica.

Por el contrario, la canción consigue evocar la tradición nórdica desde una perspectiva más íntima.

Es uno de los momentos del álbum en los que Amon Amarth demuestra que todavía puede experimentar sin abandonar sus raíces temáticas.

6. Die with a War Cry: enfrentar la muerte sin rendirse

Después de la tranquilidad de Upphaf, Die with a War Cry devuelve al álbum hacia una dirección mucho más agresiva.

La composición utiliza riffs pesados, ritmos marcados y una interpretación vocal que transmite determinación y urgencia.

Es una canción que refleja bastante bien la capacidad de la banda para crear una sensación de conflicto mediante sus guitarras y su batería.

La historia detrás de Die with a War Cry

Nuevamente encontramos a Odín frente a los acontecimientos del Ragnarök.

El dios conoce las profecías y comprende que la destrucción del orden existente es inevitable.

A lo largo de su existencia ha reunido conocimientos, preparado guerreros y buscado la manera de enfrentar el desastre.

Sin embargo, cuando llega el momento de la batalla, debe aceptar que incluso él tiene limitaciones.

El destino anunciado por las profecías sigue esperando.

En lugar de intentar escapar, Odín decide combatir hasta el final.

¿Qué es el Ragnarök? Es el conjunto de acontecimientos que provoca la batalla final entre los dioses y sus enemigos, incluyendo la muerte de figuras como Odín, Thor y Loki. También implica una gran destrucción cósmica. Sin embargo, los relatos incluyen posteriormente el renacimiento del mundo y la supervivencia de algunos dioses y seres humanos.

¿Quiénes son las Nornas? Son figuras femeninas relacionadas con el destino. Las tres más conocidas son Urðr, Verðandi y Skuld. En la tradición nórdica participan en la determinación del destino de los seres, incluidos acontecimientos que afectan a los dioses. Aunque no son protagonistas explícitas de esta canción, ayudan a comprender el concepto de un futuro inevitable.

Análisis y significado

La principal reflexión de esta canción es que el valor no depende necesariamente de conseguir la victoria.

Odín sabe cuál será su destino, pero decide enfrentarlo sin renunciar a su dignidad.

Desde el punto de vista musical, el carácter agresivo de la composición refuerza ese mensaje de resistencia.

Y aunque estamos ante un tema que Amon Amarth ha utilizado en numerosas ocasiones, sigue siendo una de las temáticas que mejor encajan con su sonido.

7. Raven God: Huginn, Muninn y el miedo a perder la memoria

Raven God nos presenta una composición donde las melodías y la atmósfera adquieren un protagonismo especial.

El tema combina la contundencia habitual de Amon Amarth con una orientación más reflexiva.

Y aunque no abandona las características musicales del grupo, su historia permite explorar una faceta particularmente humana de Odín.

La historia detrás de Raven God

Según los relatos nórdicos, Odín tiene dos cuervos llamados Huginn y Muninn.

Cada día, estas aves recorren los mundos observando todo lo que sucede.

Posteriormente regresan a Asgard para compartir con su dueño la información que han recopilado.

Gracias a sus cuervos, Odín puede ampliar su conocimiento sobre acontecimientos que suceden incluso en lugares muy alejados de su presencia.

Pero existe un elemento particularmente interesante.

En el poema Grímnismál, Odín expresa preocupación por la posibilidad de que sus cuervos no regresen.

Y sus nombres proporcionan una posible explicación de ese temor.

¿Quién es Huginn? Es uno de los cuervos de Odín. Su nombre se relaciona con el pensamiento. Junto con Muninn, recorre los mundos y regresa para comunicar al dios lo que ha observado. Se le puede interpretar como una representación simbólica de las capacidades intelectuales.

¿Quién es Muninn? Es el segundo cuervo de Odín, cuyo nombre está relacionado con la memoria. La preocupación del dios por su posible ausencia ha dado lugar a interpretaciones sobre el temor a perder los recuerdos y los conocimientos adquiridos.

Análisis y significado

La canción presenta una perspectiva fascinante sobre la vulnerabilidad de Odín.

A pesar de ser uno de los dioses más poderosos, depende de sus capacidades para pensar, recordar y comprender el universo.

Si esas facultades desaparecieran, perdería una parte fundamental de su identidad.

Desde una interpretación más contemporánea, podemos encontrar una reflexión sobre el envejecimiento, la memoria y el miedo a perder nuestras capacidades intelectuales.

Es una de las composiciones que mejor desarrolla la idea central del álbum: la sabiduría como una fuente de poder, pero también como algo frágil.

8. The Allfather Awakes: el despertar de la sabiduría

La canción que comparte prácticamente el título del álbum representa uno de sus momentos más importantes desde el punto de vista conceptual.

Musicalmente, encontramos una composición contundente, con guitarras melódicas, ritmos marcados y un estribillo de orientación épica.

No se aleja demasiado del sonido moderno de Amon Amarth, pero su temática tiene una conexión particular con la intención general del disco.

La historia detrás de The Allfather Awakes

A diferencia de otras composiciones, esta canción no relata exclusivamente un episodio concreto de la mitología nórdica.

En su lugar, utiliza la figura de Odín como símbolo del conocimiento, la reflexión y el pensamiento crítico.

El Padre de Todos se convierte en una representación de la necesidad de despertar frente a la ignorancia.

La canción invita a cuestionar las ideas aceptadas sin reflexión y a buscar una comprensión más profunda de la realidad.

Este enfoque conecta directamente con Gjallarhorn.

En aquella historia, Odín sacrifica su ojo para obtener conocimiento.

Aquí la sabiduría adquiere un significado colectivo: no basta con poseerla, también es necesario utilizarla.

¿Por qué Odín es llamado el Padre de Todos? El título Allfather, relacionado con el antiguo nórdico Alföðr, es uno de los nombres utilizados para referirse a Odín. Expresa su posición central entre los dioses y su importancia en el orden cósmico, aunque no significa que sea literalmente el padre biológico de todas las divinidades.

Análisis y significado

Johan Hegg ha relacionado el concepto del despertar de Odín con la necesidad de recuperar nuestra búsqueda del conocimiento.

Esta idea hace que el disco tenga una dimensión contemporánea que va más allá de las antiguas leyendas.

La canción funciona como una invitación a cuestionar la desinformación y a privilegiar el conocimiento sobre las opiniones sin fundamento.

Musicalmente, puede que no represente una ruptura con el pasado de la banda, pero conceptualmente sintetiza uno de los mensajes más importantes del álbum.

9. Oden’s Hunt: el lado más aterrador del Padre de Todos

Con Oden’s Hunt, Amon Amarth presenta una de las historias más oscuras del disco.

La composición recupera una mayor intensidad mediante riffs rápidos, una batería enérgica y una atmósfera amenazante.

La música acompaña un relato donde Odín deja de ser una figura inspiradora para convertirse en una presencia aterradora.

La historia detrás de Oden’s Hunt

La narración comienza durante una noche oscura.

Un hombre escucha ruidos extraños y percibe que algo peligroso se aproxima.

Pronto oye el sonido de ocho cascos: Sleipnir está llegando.

Sobre su lomo cabalga Odín, acompañado de sus lobos.

Pero esta vez el dios no se dirige a una batalla contra los gigantes.

Está participando en una cacería sobrenatural.

Durante el encuentro, el protagonista conoce a una anciana que le pide ayuda para esconderse.

Aunque inicialmente acepta protegerla, termina revelando su ubicación cuando comprende que su propia vida está amenazada.

La historia se relaciona con la tradición de la Cacería Salvaje, un motivo del folclore germánico y europeo asociado con procesiones sobrenaturales que atraviesan el cielo nocturno.

¿Qué es la Cacería Salvaje? Es una tradición folclórica presente en distintas regiones de Europa que describe a un grupo de cazadores espectrales, espíritus y criaturas sobrenaturales. En algunas versiones germánicas, su líder es Odín o Wodan. No se trata de un único relato de las Eddas, sino de una tradición con numerosas variantes posteriores.

¿Quiénes son Geri y Freki? Son dos lobos asociados con Odín. Sus nombres se relacionan con la voracidad y aparecen en relatos donde acompañan al dios. La canción describe dos lobos junto a Odín, por lo que pueden interpretarse como una referencia a estas criaturas, aunque no se mencionan directamente sus nombres.

Análisis y significado

La canción resulta interesante porque rompe con la imagen heroica que solemos encontrar en muchas composiciones de Amon Amarth.

Aquí Odín es una presencia que inspira miedo.

Además, el protagonista termina traicionando su palabra para sobrevivir.

Esto introduce un dilema moral: ¿hasta dónde somos capaces de mantener nuestros principios cuando nuestra vida se encuentra en peligro?

La historia demuestra que la mitología y el folclore nórdico también contienen relatos de terror, ambigüedad moral y consecuencias sobrenaturales.

10. Ascending Like an Eagle: el viaje al inframundo y la transformación

El álbum termina con Ascending Like an Eagle, su composición más extensa, de casi siete minutos.

Es un cierre ambicioso que desarrolla diferentes atmósferas y utiliza la combinación entre guitarras pesadas y melodías épicas para transmitir una sensación de viaje.

En lugar de apostar exclusivamente por un estribillo inmediato, la canción permite desarrollar un relato de transformación.

La historia detrás de Ascending Like an Eagle

La composición está relacionada con The Serpent’s Trail, canción incluida en The Great Heathen Army.

En aquella historia, el protagonista descendía hacia el inframundo.

Ahora continúa su recorrido, pero con un objetivo diferente: regresar.

El personaje intenta escapar de los dominios de Hel, enfrentando sus miedos y superando distintos obstáculos.

Durante el viaje descubre que no basta con sobrevivir a las experiencias difíciles.

También es necesario aprender de ellas.

La narración culmina con una transformación simbólica.

El protagonista se eleva como un águila y, finalmente, las imágenes de la serpiente y el águila se unen en la figura de un dragón.

¿Quién es Hel? Es hija de Loki y de la giganta Angrboða, además de hermana de Fenrir y Jörmungandr. En los relatos nórdicos gobierna una región del mundo de los muertos que comparte su nombre. No debe confundirse directamente con la figura del diablo cristiano, ya que cumple una función diferente dentro de la cosmología nórdica.

¿Qué representa el dragón? En la mitología nórdica aparecen dragones y serpientes como Fáfnir, Níðhöggr y Jörmungandr. Sin embargo, la transformación descrita en esta canción funciona principalmente como una metáfora de superación e integración de experiencias, sin identificar necesariamente a un dragón mitológico concreto.

Análisis y significado

La canción utiliza las imágenes mitológicas para abordar un tema más personal.

El descenso al inframundo representa el enfrentamiento con los aspectos más oscuros de nuestra existencia.

La ascensión posterior simboliza la capacidad de superar esas dificultades.

Lo interesante es que el protagonista no necesariamente elimina todos sus problemas.

Más bien aprende a comprenderlos y deja de permitir que lo controlen.

Como cierre del álbum, Ascending Like an Eagle ofrece una conclusión coherente con el concepto general de The Allfather Awakens: el conocimiento y las experiencias adquieren valor cuando nos permiten transformarnos.

Análisis general: ¿Amon Amarth está evolucionando o repitiendo su fórmula?

Después de recorrer las diez canciones, es momento de plantear una de las principales preguntas que rodean a Amon Amarth durante su etapa moderna.

¿La banda continúa evolucionando o simplemente ha encontrado una fórmula que le permite mantenerse entre los nombres más importantes del metal actual?

La respuesta probablemente se encuentra en un punto intermedio.

Desde el punto de vista musical, The Allfather Awakens conserva muchos elementos presentes en sus últimos trabajos.

Las guitarras melódicas mantienen un papel central, los riffs resultan contundentes y la voz de Johan Hegg continúa siendo una de sus características más reconocibles.

Sin embargo, también encontramos canciones con estructuras relativamente accesibles y estribillos que parecen pensados para su interpretación frente a grandes audiencias.

Y esto no debería sorprendernos.

Amon Amarth se ha convertido en una banda que encabeza festivales y ofrece conciertos de gran formato, con escenografías inspiradas en barcos vikingos, batallas y personajes mitológicos.

Naturalmente, su manera de componer ha evolucionado junto con ese crecimiento.

Pero la accesibilidad musical no necesariamente implica una pérdida de calidad.

Una canción puede tener un estribillo memorable y conservar riffs potentes, buenas melodías y una identidad perfectamente reconocible.

El verdadero riesgo aparece cuando la fórmula deja de producir composiciones capaces de distinguirse entre sí.

En ese sentido, The Allfather Awakens tiene elementos que merecen atención, especialmente la experimentación acústica de Upphaf y la mayor profundidad de algunas de sus historias.

¿Dónde se coloca The Allfather Awakens dentro de la discografía de Amon Amarth?

Colocar un álbum recién publicado dentro de una discografía de más de treinta años siempre resulta complicado.

Hay discos cuyo verdadero impacto únicamente puede evaluarse después de varios años, cuando sus canciones han tenido tiempo de consolidarse y encontrar un lugar dentro de los conciertos de la banda.

Sin embargo, podemos establecer algunas comparaciones.

With Oden on Our Side y Twilight of the Thunder God siguen siendo referencias fundamentales para entender el desarrollo musical de Amon Amarth.

Ambos representan una etapa donde la banda encontró un equilibrio particularmente efectivo entre agresividad, melodías memorables y composiciones de enorme personalidad.

Por otro lado, trabajos posteriores como Jomsviking, Berserker y The Great Heathen Army desarrollaron una faceta más directa y accesible.

The Allfather Awakens parece ubicarse principalmente dentro de esta segunda etapa.

No busca revolucionar el death metal melódico ni regresar por completo a las características de sus primeros álbumes.

Su intención parece ser perfeccionar el estilo que ha permitido a la banda alcanzar grandes audiencias.

Y aunque algunas personas pueden interpretar esa continuidad como falta de innovación, otras encontrarán precisamente aquello que esperan escuchar de Amon Amarth.

Quizá la pregunta más interesante no sea si el disco supera a sus clásicos, sino si consigue ofrecer suficientes canciones memorables para destacar dentro de una discografía tan extensa.

Conclusión: el Padre de Todos todavía tiene historias que contar

The Allfather Awakens es un álbum que representa con bastante claridad la identidad actual de Amon Amarth.

Su sonido es contundente, melódico y accesible, con composiciones que parecen destinadas a convertirse en parte de sus grandes espectáculos.

Pero el disco también ofrece algo más interesante que una nueva colección de himnos de batalla.

Sus letras profundizan en facetas de Odín que pocas veces reciben tanta atención dentro de la música metal.

Conocemos al dios que sacrifica su ojo para conseguir conocimiento, al estratega que engaña para obtener el hidromiel de la poesía, al guerrero que enfrenta su muerte inevitable y al ser que teme perder su memoria.

Y esas historias nos recuerdan que la mitología nórdica es mucho más compleja que una sucesión de guerras, conquistas y celebraciones en el Valhalla.

A nivel musical, probablemente no estemos frente a una reinvención radical.

Pero tampoco es necesario que cada lanzamiento transforme completamente la identidad de una banda.

Después de más de tres décadas de trayectoria, Amon Amarth parece tener bastante claro el tipo de música que quiere ofrecer.

Su verdadero desafío será demostrar que todavía puede construir canciones memorables dentro de esa fórmula.

Porque el problema nunca ha sido que Amon Amarth componga canciones accesibles. El problema sería que, en algún momento, dejara de sorprendernos.

Y mientras los suecos sigan encontrando historias interesantes en las antiguas leyendas nórdicas, todavía tendrán un universo extraordinario por explorar.

Ahora queremos conocer tu opinión: ¿dónde colocarías The Allfather Awakens dentro de la discografía de Amon Amarth? ¿Prefieres la agresividad de sus primeros trabajos o disfrutas más de esta etapa orientada a los grandes escenarios?

¡Skål!

El cargo Amon Amarth – The Allfather Awakens (2026): reseña y análisis completo apareció primero en Arturock.

Porque una cosa es comprar el boleto del crucero y otra muy diferente es calcular todo lo que vas a gastar entre vuelos, hospedaje, transporte, bebidas, comida antes y después del viaje, mercancía y algunos gastos que fácilmente se nos pueden olvidar cuando empezamos a hacer el presupuesto.

En mi caso, hice el ejercicio de registrar prácticamente todo lo que gasté para poder darte una referencia mucho más cercana a la realidad.

Tomando como referencia un tipo de cambio aproximado de $18 MXN por dólar, mi gasto total fue de aproximadamente:

$3,558.72 USD / $64,057 MXN

Y esto fue lo que estoy considerando.

El boleto: el gasto más importante

En mi caso, el boleto del 70,000 Tons of Metal fue de $2,067 USD, aproximadamente $37,206 MXN.

Como puedes ver, solamente este concepto representa más de la mitad de todo el presupuesto.

Aquí hay que considerar que el precio puede cambiar dependiendo de la categoría de camarote, cuántas personas se hospeden en él y las condiciones de cada edición del crucero.

Por eso, si estás comenzando a ahorrar para ir al 70K, este debería ser el primer gasto que tengas contemplado.

Vuelo a Miami

El siguiente gasto fuerte fue el vuelo.

En mi caso pagué aproximadamente $460.61 USD, equivalentes a $8,291 MXN.

Este es probablemente uno de los conceptos que más puede variar dependiendo de desde dónde viajes, con cuánta anticipación compres el boleto y las fechas que elijas.

Yo viajo desde México, por lo que además del vuelo internacional también tuve que considerar algunos gastos de transporte hacia y desde el aeropuerto.

Hospedaje antes del crucero

Mi hospedaje tuvo un costo aproximado de $166.67 USD, unos $3,000 MXN.

Personalmente considero recomendable llegar a Miami por lo menos un día antes del embarque.

No me parece buena idea programar un vuelo que llegue el mismo día del crucero. Un retraso, cancelación o cualquier problema con el vuelo podría convertirse en un problema enorme.

Además, llegar antes permite disfrutar un poco de Miami y, dependiendo de la organización del evento, participar en actividades previas relacionadas con el 70K.

Transporte: Uber en Miami y CDMX

También hay pequeños gastos que, cuando los sumas, comienzan a representar una cantidad considerable.

En Miami gasté alrededor de $80 USD ($1,440 MXN) en Uber.

En Ciudad de México gasté aproximadamente $44.44 USD ($800 MXN) en traslados relacionados con el aeropuerto.

Entre los dos estamos hablando de más de $2,200 MXN solamente en transporte terrestre.

Es un buen ejemplo de por qué al hacer el presupuesto no deberíamos considerar únicamente el crucero y el avión.

Paquete de bebidas sin alcohol

Dentro del barco compré un paquete de bebidas sin alcohol por aproximadamente $150 USD, unos $2,700 MXN.

Aquí cada persona tendrá que decidir si realmente le conviene comprar un paquete o pagar las bebidas individualmente.

Para mí fue un gasto que preferí tener contemplado desde antes.

Un punto importante es que la comida del crucero ya está incluida, así que no necesitas presupuestar desayuno, comida y cena como si estuvieras en un hotel convencional.

¿Y el alcohol dentro del crucero?

Aquí es donde entra otro de mis conceptos: gastos durante el crucero.

Gasté aproximadamente $120 USD ($2,160 MXN).

En mi caso, este dinero fue principalmente para cervezas.

La comida ya estaba contemplada dentro del crucero y las bebidas sin alcohol las tenía cubiertas con el paquete anterior, por lo que este gasto corresponde básicamente al consumo adicional de alcohol.

Obviamente esta cantidad puede cambiar muchísimo.

Si prácticamente no tomas alcohol, podrías gastar bastante menos. Si durante los cuatro días estás comprando cerveza constantemente, esta partida puede aumentar considerablemente.

Merch: porque estamos en un festival de metal

Era prácticamente inevitable.

Entre playeras y algún recuerdo del evento gasté aproximadamente $145 USD, equivalentes a $2,610 MXN.

Este es un gasto completamente opcional, pero si te gusta comprar merchandise oficial de las bandas o del propio 70,000 Tons of Metal, te recomiendo separar desde antes una cantidad específica.

Cuando estás ahí es muy fácil comenzar a comprar cosas y perder la noción de cuánto llevas gastado.

Gastos antes de subir al barco

Destiné aproximadamente $155 USD ($2,790 MXN) a los gastos previos al embarque.

Aquí estoy incluyendo principalmente comidas en Miami y los gastos relacionados con la fiesta en la playa previa al crucero.

Este es justamente uno de esos gastos que podrían pasar desapercibidos cuando estás haciendo tu presupuesto.

Llegas uno o dos días antes, comes, tomas algo, sales con otros asistentes y probablemente participas en alguna actividad previa.

De repente gastaste otros $100 o $150 dólares que originalmente no habías contemplado.

El día de playa

Durante el crucero normalmente hay una parada en algún destino del Caribe.

En mi caso destiné aproximadamente $60 USD ($1,080 MXN) para este día.

Puedes gastarlo en Puerto Plata o en la isla o destino que corresponda a la edición del crucero en la que viajes.

Aquí entran cosas como comida, alguna bebida, transporte local o pequeños gastos mientras estás fuera del barco.

También podría ser considerablemente más caro si decides contratar alguna excursión.

Gastos después de bajar del crucero

Hay otro día que muchas veces olvidamos presupuestar: el día que termina el crucero.

Yo gasté aproximadamente $110 USD ($1,980 MXN) después de desembarcar.

Aquí estoy considerando las comidas de ese día y alguno que otro souvenir antes de regresar.

Dependiendo del horario de tu vuelo, incluso podrías pasar prácticamente todo el día en Miami, así que es dinero que también conviene tener separado.

Entonces… ¿cuánto necesitas para ir al 70,000 Tons of Metal?

En mi experiencia, el viaje completo terminó costándome aproximadamente:

$3,558.72 USD

o alrededor de:

$64,057 MXN

Eso no quiere decir que todas las personas vayan a gastar exactamente lo mismo.

Puedes reducir bastante el presupuesto comprando vuelos con anticipación, limitando las compras de merchandise, gastando menos en alcohol o compartiendo algunos gastos.

También puedes superar fácilmente esta cantidad si eliges otro tipo de camarote, compras muchas bebidas, haces excursiones, compras mucho merchandise o decides quedarte más días en Miami.

Pero creo que entre $60,000 y $70,000 MXN puede servir como una referencia bastante útil para comenzar a calcular un viaje de este tipo desde México, tomando mi experiencia como punto de partida y entendiendo que los precios pueden cambiar entre ediciones.

¿Vale la pena?

Aquí ya entra una cuestión completamente personal.

El 70,000 Tons of Metal no es solamente pagar por un crucero. Son varios días rodeado de metal, decenas de bandas, conciertos prácticamente durante todo el día y la experiencia de convivir con músicos y fans de diferentes partes del mundo mientras navegas por el Caribe.

Lo importante es entender desde el principio que el costo real es mucho mayor que el precio que aparece cuando compras el boleto.

Si estás pensando en asistir, mi recomendación para hacer tu presupuesto es calcular primero boleto, avión y hospedaje, y después agregar un colchón suficiente para transporte, bebidas, comidas fuera del barco, merchandise y cualquier gasto inesperado.

Y si ya has ido al 70,000 Tons of Metal, cuéntame en los comentarios: ¿cuánto terminaste gastando tú?

El cargo ¿Cuanto Cuesta ir al 70,000 tons of metal? Gastos reales y presupuesto completo apareció primero en Arturock.

Everything’s Falling, su quinto álbum de estudio, llega precisamente en uno de los momentos de mayor exposición de su carrera. Después de ERROR y Keep Me Fed, The Warning ya no tiene que demostrar que puede competir dentro del rock internacional; ahora el reto es descubrir hasta dónde puede llevar su sonido sin perder aquello que originalmente hizo especial a la banda. Y justamente ahí está, para mí, el gran debate de este álbum: hay momentos donde escucho al mejor The Warning que hemos tenido hasta ahora y otros donde siento que las decisiones comerciales y de producción comienzan a pesar demasiado.

1. Ritual

“Ritual” fue uno de los sencillos del disco y, aunque por sí sola no terminó de atraparme demasiado, creo que funciona bastante bien como canción de apertura. El intro es poderoso y durante esos primeros segundos realmente pensé: “wow, esto es The Warning, pero recargado”. Hay fuerza, actitud y una sensación de que la banda viene con algo más grande.

El problema es que ese hype me dura muy poco. En cuanto entra ese tratamiento tan marcado en la voz —distorsión, autotune o lo que sea que estén utilizando— siento que le quita bastante impacto a la canción. Para una banda que tiene voces tan buenas, me parece innecesario abusar tanto de esos efectos.

2. Perfect Daughter

Con “Perfect Daughter” simplemente no conecté. Entiendo perfectamente que no soy ni de cerca el público objetivo de la canción y probablemente eso influye bastante en cómo la percibo, pero aun dejando de lado la temática, musicalmente tampoco terminó de funcionarme.

Y aquí vuelve a aparecer el mismo problema que tuve con “Ritual”: el abuso de efectos en la voz. Siento que ese procesamiento termina alejándome todavía más de la canción y le resta naturalidad a una interpretación que, tratándose de The Warning, no necesita esconderse detrás de tantos filtros.

3. Everything’s Falling

Ahora sí, aquí se siente completamente The Warning. “Everything’s Falling” me parece increíble de principio a fin: poderosa, enérgica y con toda la esencia de la banda presente. Es de esas canciones que recuerdan inmediatamente por qué las hermanas Villarreal han conseguido conectar con tanta gente.

Además, se nota muchísimo su evolución como músicas. La canción suena más madura, más segura y con una ambición enorme, dejando claro que The Warning todavía tiene muchísimo margen para seguir creciendo y que, por ahora, su techo parece estar muy lejos.

4. Why Do You Like It When I Cry?

Otro de los grandes aciertos del álbum. Es una canción que, incluso sin saber quién la interpreta, tiene ese sello tan característico de las hermanas Villarreal. Suena a The Warning desde el primer momento, pero al mismo tiempo muestra una faceta más trabajada y atmosférica.

El puente musical, con esos tintes oscuros, me parece de lo mejor de la canción. Y aquí además demuestran que sí pueden utilizar efectos en la voz para aportar textura y personalidad sin caer en el abuso. Justamente ese equilibrio hace que los efectos sumen a la canción en lugar de distraer.

5. Bite My Tongue

“Bite My Tongue” sigue la gran línea que dejaron las dos canciones anteriores. Es una excelente rola y, para mí, representa al 100% la esencia de The Warning: fuerza, melodía y esa manera tan particular que tienen de construir tensión antes de soltar toda la energía.

Me encanta especialmente esa estrofa más lenta y tranquila justo antes de que la canción explote; es un recurso que las hermanas Villarreal manejan increíblemente bien y que ya se siente como uno de sus sellos. Además, la combinación de las voces de las tres me parece magnífica y le da todavía más personalidad a la canción.

6. Kill Or Be Killed

Otra canción que me gustó muchísimo. Es enérgica, directa y con una letra bastante contundente que encaja perfecto con la intensidad del tema. Tiene esa fuerza que hace que la canción avance sin perder ritmo y que te mantenga enganchado de principio a fin.

Y ese cierre con los coros de fondo… uff, increíble. Es de esos detalles que elevan todavía más la canción y la hacen terminar por todo lo alto. A estas alturas del disco empieza a quedarme claro algo: quizá The Warning se guardó lo mejor para el álbum y no para los sencillos.

7. Ego

Uff… aquí seguramente me van a odiar, pero “Ego” me parece no solo la peor canción del álbum, sino probablemente el punto más bajo de toda la discografía de The Warning. Entiendo que el coro puede resultar pegajoso, pero la temática simplemente no conecta conmigo.

Ese mensaje de “ódiame más” me suena más a americanista resentido o a esa línea de canciones de “las mujeres facturan” que popularizó Shakira que a algo que yo esperaría encontrar en The Warning. Musicalmente tampoco logra compensarlo y, por más vueltas que le doy, es una canción que no me gustó prácticamente nada.

8. Bloodsport

“Bloodsport” me parece una canción correcta, sin mucho más que destacar. La veo como una especie de tema de transición dentro del álbum: no creo que vaya a ser de las más recordadas, pero tampoco está cerca de ser de las peores. La melodía principal me agradó y tiene momentos interesantes.

El problema es que, conforme avanza, se me termina haciendo más larga de lo que realmente es. Llega un punto en el que siento que ya debería haber terminado y eso juega un poco en su contra. Buena a secas, pero lejos de los puntos altos del disco.

9. Break

“Break” me parece otro de los puntos altísimos, no solo del álbum, sino de toda la discografía de The Warning. Conecté al 100% con esta canción desde el inicio: comienza de una forma lenta, casi como si estuviera preparando una power ballad, pero de pronto acelera y ya no vuelve a soltar el ritmo.

La construcción me parece buenísima y el solo de guitarra termina de elevarla todavía más. Es de esas canciones que reúnen emoción, potencia y ejecución en el momento justo. Me encantó.

10. Bruises

Otro acierto del álbum. A estas alturas ya me queda bastante clara la diferencia entre varias de las canciones que lanzaron como sencillos y lo que terminaron guardando para el disco completo. “Bruises” se siente mucho más cercana a la esencia que personalmente busco en The Warning.

No diría que está entre las mejores canciones de toda su discografía, ni mucho menos, pero sí me parece un tema sólido, bien construido y totalmente reconocible como The Warning. Dentro del álbum, suma y mantiene muy buen nivel.

11. Waste Your Time On Me

Uff, qué gran riff: agresivo, enérgico y con muchísimo empuje. Además, aquí le dan espacio a Ale y a su bajo para brillar, algo que siempre suma muchísimo al sonido de la banda. El coro es súper pegadizo y, para mí, funciona perfecto.

También se agradece que la voz venga mucho más limpia, sin ese exceso de edición que me molestó en otros temas. Eso permite apreciar mucho mejor el rango y la fuerza de Daniela. Me encantó, y aunque todavía queda una canción más en el tracklist, para mí este tema se siente como el verdadero cierre del álbum.

12. Kerosene

Lo mejor que puedo decir de “Kerosene” es que tiene un intro muy poderoso y realmente prometedor. A partir de ahí, sin embargo, no termino de conectar ni con la canción ni con una temática que me parece bastante superficial, centrada en ese “me estás copiando”. Mucho menos con el bailecito y esa sensación de que fue pensada deliberadamente para convertirse en trend de TikTok o Instagram. Quiero pensar que fue una de esas decisiones más cercanas a la disquera que a la propia banda, porque personalmente no encuentro aquí la esencia de The Warning.

Lo curioso es que todo eso contrasta con un coro que sí me gusta y, sobre todo, con los agudos a los que llega Daniela, que me parecen espectaculares. No es una canción que me entusiasme escuchando el disco, pero estoy bastante seguro de que en vivo la voy a disfrutar mucho más.

Conclusión

Creo que Everything’s Falling refleja claramente el momento que vive The Warning. La banda ha crecido muchísimo y ya se encuentra en un nivel de popularidad donde es inevitable pensar que la disquera, el marketing y la necesidad de llegar a públicos más amplios empiezan a tener un peso importante en ciertas decisiones creativas. En mi opinión, esa influencia está bastante marcada en algunas canciones, especialmente en los sencillos.

Aun así, cuando el disco deja respirar a la banda y aparece esa esencia que las ha caracterizado desde hace años, The Warning sigue demostrando exactamente por qué ha llegado hasta donde está. Hay canciones poderosas, maduras y muy bien construidas que muestran una evolución evidente como músicas. Si algo me deja claro este álbum es que, pese a algunas decisiones que personalmente no comparto, el techo de las hermanas Villarreal sigue estando muchísimo más arriba.

Como nota final le pongo un 7/10

El cargo The Warning – Everything’s Falling apareció primero en Arturock.

Hay discos que envejecen bien y hay otros que, escuchados décadas después, siguen sonando como si hubieran abierto una puerta que nadie sabía que estaba ahí. Tales from the Thousand Lakes, segundo álbum de los finlandeses Amorphis, pertenece claramente al segundo grupo.

Publicado en 1994, este disco representó un enorme salto respecto a The Karelian Isthmus, su debut de 1992. Amorphis seguía teniendo los pies firmemente plantados en el death metal, pero aquí comenzó a incorporar melodías, teclados, influencias progresivas y una atmósfera profundamente ligada al folclore de Finlandia. El resultado fue uno de los álbumes más particulares e influyentes del metal extremo europeo de los noventa.

Mucho más que death metal

Lo primero que llama la atención de Tales from the Thousand Lakes es su atmósfera.

Desde los primeros segundos de Thousand Lakes, la instrumental que abre el álbum, parece que el disco quiere transportarnos a otro lugar. Los teclados, las campanas y ese ambiente melancólico funcionan casi como la introducción a una antigua leyenda.

Y eso no es casualidad.

Buena parte del concepto y de las letras del disco está inspirado en el Kalevala, la epopeya nacional finlandesa, una recopilación de poemas y relatos tradicionales cargados de mitología, héroes, naturaleza, tragedias y elementos sobrenaturales.

Gracias a esto, Amorphis consiguió algo que pocas bandas de death metal de la época podían presumir: crear un universo propio.

No estamos simplemente ante riffs pesados acompañados por voces guturales. Todo parece formar parte de una misma historia.

Bosques.

Lagos.

Inviernos interminables.

Leyendas antiguas.

Melancolía.

Y muchísimo death metal.

Into Hiding: aquí empieza realmente el viaje

Después de la introducción llega Into Hiding, y en pocos minutos queda claro que este no será un disco convencional.

Los riffs siguen teniendo ese sonido pesado y cavernoso característico del death metal de principios de los noventa, pero encima aparecen melodías de guitarra que inmediatamente hacen que Amorphis suene diferente.

Esa combinación se convertiría en una de las principales características del álbum.

La guitarra de Esa Holopainen tiene un papel fundamental. En lugar de limitarse a acompañar los riffs, constantemente introduce melodías que contrastan con la agresividad de la base rítmica.

Es precisamente ese contraste entre brutalidad y belleza lo que hace que Tales from the Thousand Lakes funcione tan bien.

The Castaway

The Castaway continúa desarrollando esa identidad.

Aquí encontramos riffs pesados, teclados y melodías que prácticamente anticipan muchas de las cosas que posteriormente escucharíamos dentro del melodic death metal finlandés.

El sonido sigue siendo oscuro, pero nunca completamente desesperanzador.

Hay algo casi épico detrás de las melodías.

Y ese detalle es importante, porque Amorphis estaba comenzando a separarse de muchos de sus contemporáneos. Mientras otras bandas buscaban ser cada vez más extremas, ellos parecían interesados en descubrir hasta dónde podían llevar el death metal sin dejar de ser death metal.

Black Winter Day

Y entonces llegamos a la canción más importante del disco.

Black Winter Day.

Probablemente también una de las canciones más importantes de toda la carrera de Amorphis.

Lo interesante es que no necesita ser particularmente complicada para funcionar.

El teclado que aparece desde el inicio es inmediatamente reconocible y crea una atmósfera melancólica que acompaña perfectamente a las guitarras.

La canción resume en poco más de tres minutos prácticamente todo lo que hace especial al álbum:

death metal, melodía, teclados, melancolía y folclore.

Si alguien nunca ha escuchado Amorphis y quiere entender qué ocurrió con la banda durante esta etapa, Black Winter Day es probablemente el mejor lugar para comenzar.

Más de treinta años después sigue sonando especial.

Drowned Maid

Después encontramos Drowned Maid, otro de los grandes momentos del álbum.

Aquí vuelve a aparecer esa mezcla de riffs extremadamente pesados con melodías que parecen venir de algún relato medieval.

La producción ayuda muchísimo.

El disco fue grabado en Sunlight Studios, estudio estrechamente relacionado con el sonido del death metal sueco de principios de los noventa, y eso se nota especialmente en las guitarras gruesas y orgánicas del álbum.

Pero Amorphis utiliza ese sonido de una manera diferente.

En lugar de construir únicamente agresividad, lo combina con sintetizadores y guitarras melódicas, consiguiendo que las canciones tengan una sensación mucho más atmosférica.

In the Beginning

In the Beginning es otra muestra perfecta del equilibrio que consiguió la banda.

Tiene momentos agresivos, pero nuevamente son las melodías las que terminan quedándose en la cabeza.

Y aquí aparece una característica importantísima de Tales from the Thousand Lakes: es un disco extremadamente pesado que al mismo tiempo resulta sorprendentemente memorable.

No necesitas escuchar veinte veces las canciones para encontrar una melodía interesante.

Están por todas partes.

Forgotten Sunrise

Uno de los temas que mejor representa el lado más doom del álbum es Forgotten Sunrise.

El ritmo se vuelve más lento, los riffs pesan todavía más y la sensación general es considerablemente más sombría.

Este tipo de canciones muestran que catalogar Tales from the Thousand Lakes simplemente como melodic death metal tampoco cuenta toda la historia.

Hay mucho death/doom.

Hay elementos progresivos.

Hay rock setentero.

Hay teclados que por momentos recuerdan más a Deep Purple que a una banda de death metal.

Y precisamente esa mezcla es lo que hace que el álbum tenga tanta personalidad.

To Father’s Cabin

Con To Father’s Cabin volvemos a encontrar algunas de las melodías más particulares del disco.

Los teclados tienen una presencia enorme, pero curiosamente nunca hacen que el álbum pierda agresividad.

Ese probablemente sea uno de los mayores logros de Amorphis aquí.

Sobre el papel, meter sintetizadores casi psicodélicos dentro de un disco de death metal podría haber terminado muy mal.

Pero funciona.

Y funciona porque ninguno de esos elementos parece colocado simplemente para demostrar que la banda puede experimentar.

Todo está al servicio de la atmósfera.

Magic and Mayhem

El cierre llega con Magic and Mayhem, y difícilmente podría existir un título más apropiado.

Es pesada, extraña, atmosférica y representa perfectamente ese choque entre death metal y experimentación que define al álbum.

Además, contiene algunos de los riffs más contundentes del disco.

Cuando termina queda esa sensación de haber escuchado algo que funciona mejor como una obra completa que como una simple colección de canciones.

Y para mí, ahí está una de las mayores virtudes de Tales from the Thousand Lakes.

Un disco adelantado a su tiempo

Escuchar este álbum hoy requiere ponerlo también en contexto.

Estamos hablando de 1994.

El melodic death metal todavía estaba desarrollando su identidad y muchas de las bandas que posteriormente definirían el género apenas comenzaban sus carreras.

Amorphis ya estaba mezclando death metal, doom, melodías tradicionales, rock progresivo y sintetizadores dentro de un mismo disco.

No inventaron todos esos elementos, evidentemente, pero la manera en la que los combinaron ayudó a crear una identidad extremadamente particular y terminó siendo muy influyente para el metal finlandés que aparecería posteriormente.

Bandas como Insomnium, Swallow the Sun y muchas otras que posteriormente combinarían metal extremo con enormes dosis de melancolía parecen mucho más fáciles de entender después de escuchar este disco.

¿Ha envejecido bien?

Definitivamente sí, aunque con una condición.

No esperes una producción moderna.

Las guitarras tienen ese sonido grueso de principios de los noventa, los teclados por momentos suenan deliberadamente antiguos y evidentemente no existe la limpieza quirúrgica que encontramos actualmente en muchas producciones de metal.

Pero precisamente ahí está buena parte de su encanto.

Tales from the Thousand Lakes suena orgánico.

Suena humano.

Y sobre todo, suena misterioso.

Una producción moderna probablemente sería más espectacular, pero difícilmente conseguiría reproducir exactamente esa atmósfera.

Mis canciones favoritas

Si tuviera que quedarme solamente con cinco temas serían:

1. Black Winter Day
La canción esencial del álbum y uno de los grandes clásicos de Amorphis.

2. Into Hiding
Una introducción perfecta al verdadero sonido del disco.

3. The Castaway
Melodía, riffs y atmósfera en equilibrio casi perfecto.

4. Drowned Maid
Uno de los momentos donde mejor funciona la combinación entre brutalidad y melodía.

5. Magic and Mayhem
Un cierre extraño, pesado y completamente representativo del álbum.

Aunque debo hacer una mención especial a Thousand Lakes, porque sin esa pequeña introducción el viaje simplemente no sería el mismo.

Calificación: 9.5/10

Tales from the Thousand Lakes no solamente es uno de los mejores discos de Amorphis.

Es uno de esos álbumes que ayudan a explicar cómo evolucionó el metal extremo durante los años noventa.

Partiendo de una base de death metal y doom, Amorphis incorporó melodías, sintetizadores, progresivo y mitología finlandesa para crear algo que en 1994 debía sonar verdaderamente extraño.

Y quizá esa sea la mejor palabra para describirlo:

único.

Décadas después han aparecido bandas técnicamente superiores, producciones mucho más espectaculares y discos muchísimo más complejos.

Pero cuando comienzan los teclados de Thousand Lakes y posteriormente entra el riff de Into Hiding, sigue existiendo algo especial.

Por eso, si quieres conocer a Amorphis, este no es simplemente un buen disco para empezar.

Es obligatorio.

El cargo Tales from the Thousand Lakes de Amorphis: cuando el death metal encontró la mitología finlandesa apareció primero en Arturock.

Hay festivales de música y después está Wacken.

Puedes haber visto a Iron Maiden cinco veces. Puedes haber estado en conciertos de Metallica, Judas Priest, Slayer, Nightwish, Amon Amarth o cualquier otra banda importante. Puedes incluso haber asistido a varios festivales.

Pero Wacken es otra cosa.

Porque viajar hasta un pequeño pueblo del norte de Alemania, caminar entre miles de personas vestidas de negro, ver aparecer a lo lejos el enorme cráneo del toro entre los escenarios y escuchar metal prácticamente desde que despiertas hasta que te vas a dormir no se siente simplemente como asistir a una serie de conciertos.

Se siente como llegar a un lugar que durante unos días pertenece completamente al metal.

Y por eso creo que todo metalero debería vivir Wacken al menos una vez en la vida.

Todo comenzó con 800 personas en un campo

Parte de la magia de Wacken está en entender lo improbable de su historia.

La primera edición del Wacken Open Air se realizó en 1990 en un pequeño pueblo de Schleswig-Holstein, Alemania. Aquella primera edición reunió aproximadamente 800 personas y seis bandas. Había un escenario construido prácticamente de manera artesanal, electricidad proporcionada con ayuda de los bomberos locales y comida comprada en el supermercado.

Difícilmente alguien podría imaginar en ese momento lo que aquello terminaría convirtiéndose.

Durante los años siguientes comenzaron a llegar nombres como Saxon, Blind Guardian, Motörhead, In Flames y muchas otras bandas fundamentales del metal.

Para 2008, Iron Maiden tocaba ahí ante decenas de miles de personas y Wacken ya era reconocido como uno de los grandes templos mundiales del heavy metal.

Lo que comenzó como una reunión de unos cuantos fanáticos terminó convirtiendo un pequeño pueblo alemán en uno de los lugares más conocidos del planeta para los seguidores del metal.

El viaje comienza mucho antes del primer concierto

Una de las cosas más curiosas de Wacken es que la experiencia empieza desde antes de entrar al festival.

Llegar hasta ahí ya forma parte de la historia.

La estación de tren más cercana utilizada habitualmente por los asistentes está en Itzehoe, desde donde salen los transportes hacia Wacken. De hecho, el festival incluye el servicio de shuttle desde esa estación dentro de la entrada.

Y ahí comienza algo que vas a notar durante todo el viaje:

playeras negras.

En el aeropuerto.

En las estaciones.

En el tren.

En los supermercados.

En los autobuses.

Cada vez aparecen más.

Hasta que llega un momento en el que parece que absolutamente todo el mundo se dirige al mismo lugar.

Y probablemente sea cierto.

El Holy Ground

Los organizadores y asistentes llaman al lugar The Holy Ground.

Y aunque evidentemente forma parte de toda la mitología alrededor del festival, después de estar ahí resulta fácil entender el apodo.

Normalmente ese terreno no es un gigantesco recinto de conciertos.

Son campos agrícolas alrededor de un pequeño pueblo.

Pero una vez al año aparecen escenarios gigantescos, kilómetros de zonas de camping, puestos de comida, bares, tiendas, zonas medievales y decenas de miles de metaleros provenientes de todo el mundo.

El contraste es espectacular.

Puedes estar caminando tranquilamente entre campos alemanes y unos minutos después encontrarte frente a un escenario enorme viendo a algunas de las bandas más importantes del planeta.

No vas solamente por los headliners

Uno de los errores que puedes cometer antes de ir a Wacken es evaluar el festival exclusivamente por las bandas principales.

Claro que los headliners importan.

Pero Wacken es muchísimo más interesante cuando dejas de intentar convertirlo simplemente en una lista de conciertos que quieres tachar.

Porque hay tantas bandas tocando que inevitablemente vas a terminar descubriendo algo.

Quizá entres a ver cinco minutos de una banda porque está lloviendo.

Quizá escuches algo mientras estás comiendo.

Quizá tus amigos quieran ver un grupo que jamás has escuchado.

Y de repente estás viendo uno de los mejores conciertos del viaje.

Ahí está parte de la magia.

Un día puedes pasar del death metal al power metal, luego escuchar folk, después doom, black metal, thrash, metal sinfónico y terminar viendo una banda completamente absurda a la una de la mañana.

En cualquier otro contexto esa combinación sería extraña.

En Wacken es simplemente otro miércoles.

El camping también es parte del festival

Incluso si normalmente no eres una persona especialmente entusiasmada por dormir en una tienda de campaña, vale la pena vivir al menos una vez la experiencia clásica de Wacken.

Porque el camping no funciona únicamente como alojamiento.

Es prácticamente otra ciudad dentro del festival.

La organización incluso describe la atmósfera del enorme W:O:A Campground como una de las características legendarias del evento. El camping tradicional se instala directamente sobre terrenos agrícolas y forma parte integral de la experiencia.

Hay gente poniendo música.

Otros haciendo carne.

Banderas de diferentes países.

Campamentos decorados.

Personas caminando disfrazadas.

Y grupos de desconocidos que terminan tomando cerveza juntos.

Puedes caminar durante muchísimo tiempo y seguir encontrando campamentos.

Algunos parecen auténticas instalaciones profesionales montadas por personas que claramente llevan años perfeccionando su estrategia para sobrevivir una semana en Wacken.

En Wacken todos hablan el mismo idioma

Y no me refiero al alemán.

Una de las cosas más impresionantes es la variedad de nacionalidades que encuentras.

Durante distintas ediciones han llegado aficionados provenientes de decenas de países; el propio festival ha destacado años en los que recibió asistentes de más de 80 naciones.

Puedes estar tomando cerveza con alguien de Alemania y unos minutos después estar hablando con alguien de Suecia, México, Brasil, Japón, España o Australia.

Probablemente muchos ni siquiera tengan el mismo idioma como lengua materna.

Pero aparece una playera de Iron Maiden y empieza una conversación.

—¿Viste aquella gira?

—Sí.

—¿Cuál es tu disco favorito?

—Powerslave.

—Perfecto, somos amigos.

El metal funciona como lenguaje común.

Y creo que esa sensación de comunidad es posiblemente lo más importante de Wacken.

No importa qué tipo de metalero seas

También existe algo particularmente bonito en ver reunidas tantas generaciones.

Encontrarás personas que probablemente escuchaban Black Sabbath cuando todavía sacaban discos en los setenta.

Personas que crecieron con Metallica y Slayer.

Otros que llegaron al metal gracias a Slipknot.

Fans del black metal.

Fans del power.

Personas con chalecos completamente cubiertos de parches.

Otros con una simple camiseta negra.

Y algunos que probablemente compraron su primera playera de una banda esa misma semana.

A nadie parece importarle demasiado.

Estás ahí.

Eso es suficiente.

Entonces llega la lluvia

Tenemos que hablar de esto.

Wacken y el lodo tienen una relación histórica.

La frase oficial del festival lo resume perfectamente:

Rain or Shine.

Puede hacer calor.

Puede estar nublado.

Puede llover.

Puede llover muchísimo.

Y cuando decenas de miles de personas empiezan a caminar sobre campos agrícolas mojados ocurre exactamente lo que imaginas.

Barro.

Muchísimo barro.

En algunas ediciones el lodo se ha convertido prácticamente en otro protagonista del festival, hasta el punto de que la organización continúa realizando mejoras de infraestructura para hacer frente a esas condiciones; para 2026, por ejemplo, duplicaron diversas superficies de suelo y ampliaron zonas cubiertas.

Así que unos buenos zapatos o botas no son opcionales.

Son equipo de supervivencia.

Pero hay algo extrañamente divertido en aceptar que probablemente acabarás sucio.

Después de unas horas simplemente deja de importarte.

Estás en Wacken.

Y entonces ves el escenario por primera vez

Hay un momento que recuerdo como una de las experiencias esenciales del festival.

Entrar al área principal.

Caminar.

Ver cada vez más gente.

Y finalmente encontrarte frente a los grandes escenarios con el enorme símbolo del toro sobre ellos.

Lo has visto cientos de veces.

En fotografías.

Videos.

Documentales.

Conciertos grabados.

Pero verlo físicamente cambia completamente la perspectiva.

Entonces comienza una banda.

Se apagan las luces.

Aparecen las primeras notas.

Miras alrededor.

Hay una cantidad absurda de personas levantando los brazos.

Y piensas:

“Estoy en Wacken.”

Ese momento por sí solo vale buena parte del viaje.

Lo mejor de Wacken no siempre ocurre sobre un escenario

Obviamente vas por la música.

Pero probablemente algunos de tus mejores recuerdos terminarán siendo cosas que nunca aparecieron en el cartel.

Una conversación con alguien en el camping.

Caminar de regreso a tu tienda a las dos de la mañana.

Comerte algo absolutamente exagerado después de estar todo el día viendo bandas.

Encontrarte casualmente con alguien que conociste el día anterior.

Comprar un parche.

Tomarte una cerveza mientras escuchas un concierto desde lejos.

Ver pasar a una persona vestida de vikingo empujando un carrito mientras suena death metal desde una bocina.

Wacken está lleno de pequeños momentos absurdos.

Y justamente esos momentos terminan construyendo la experiencia.

También vas a terminar agotado

Hay que decirlo.

No todo es romántico.

Después de varios días probablemente vas a estar destruido.

Dormiste poco.

Caminaste kilómetros.

Estuviste parado horas.

Te mojaste.

Te dio calor.

Comiste cuando pudiste.

Quizá bebiste más cerveza de la que debías.

Y aun así, cuando llega el último día quieres ver otra banda.

Y otra.

Y otra.

Hasta que finalmente termina.

Entonces ocurre algo curioso.

Mientras estás ahí quizá llegues a pensar:

“No sé si volvería a hacer esto.”

Unos días después empiezas a pensar:

“Bueno… quizá dentro de algunos años.”

Y unas semanas después estás viendo el cartel del próximo Wacken.

Es mucho más que un festival

Actualmente Wacken es una maquinaria gigantesca.

Para dimensionarlo basta pensar que la edición número 35, celebrada en 2026, volvió a vender todas sus entradas.

Pero lo extraordinario es que debajo de toda esa infraestructura todavía permanece una idea muy sencilla:

juntar metaleros en un campo y escuchar música.

Eso era Wacken en 1990.

Y, en esencia, continúa siendo Wacken.

Obviamente ahora existen enormes escenarios, producción audiovisual, merchandising, aplicaciones, sistemas digitales, zonas especiales y una infraestructura que los fundadores difícilmente podrían haber imaginado.

Pero cuando estás parado entre miles de personas esperando que comience una banda, todo eso desaparece.

Solo queda la música.

¿Vale la pena viajar desde México?

Sí.

No voy a decir que sea barato.

Tienes que considerar vuelos a Europa, trenes, posiblemente hoteles antes o después del festival, comida, transporte, equipo y la entrada.

Además, asistir a un festival de varios días exige cierta preparación.

Pero precisamente por eso no estoy diciendo que tengas que ir todos los años.

Estoy diciendo:

ve una vez.

Haz el viaje.

Llega a Hamburgo.

Toma el tren.

Sube al shuttle.

Entra al Holy Ground.

Camina por el camping.

Cómete algo.

Tómate una cerveza.

Descubre una banda.

Métete entre miles de personas.

Acaba cubierto de lodo si es necesario.

Y cuando veas por primera vez el gigantesco escenario de Wacken, probablemente entenderás por qué tanta gente regresa.

Porque algunas cosas hay que vivirlas

Puedes ver cientos de videos de Wacken en YouTube.

Puedes mirar conciertos completos.

Puedes seguir las transmisiones.

Puedes leer historias.

Puedes estudiar todos los carteles desde 1990.

Pero ninguna de esas cosas reproduce completamente la sensación de estar ahí.

Y creo que esa es la razón principal por la que cualquier persona verdaderamente apasionada por el metal debería intentar hacerlo alguna vez.

No porque Wacken sea necesariamente el festival con el mejor cartel todos los años.

Ni porque sea objetivamente mejor que cualquier otro festival.

Sino porque Wacken representa algo que va mucho más allá de las bandas que estén anunciadas ese año.

Representa una cultura.

Una comunidad.

Una historia que comenzó con 800 personas en un campo de Alemania y terminó convirtiendo ese mismo campo en uno de los lugares más importantes del heavy metal mundial.

Hay conciertos que recuerdas.

Hay festivales que disfrutas.

Y después están esas experiencias que terminan formando parte de tu historia como fan de la música.

Wacken es una de ellas.

Así que si alguna vez tienes la oportunidad:

ve.

Aunque sea una sola vez.

Porque hay cosas que todo metalero debería experimentar antes de morir.

Y levantar los cuernos frente al escenario de Wacken es definitivamente una de ellas.

See you in Wacken. Rain or Shine.

El cargo Wacken Open Air: por qué todo metalero debería ir al menos una vez en la vida apareció primero en Arturock.

Pero si tuviéramos que enfrentarlas directamente, categoría por categoría, ¿quién ganaría?

En este versus enfrentamos a Epica y Nightwish en seis categorías: mejor álbum, mejor canción, mejor vocalista, mejor discografía, mejor portada y mejor concierto en directo.

Y sí: habrá decisiones polémicas.

1. Mejor álbum: Consign to Oblivion vs Once

Epica – Consign to Oblivion
Nightwish – Once

Comenzamos con una batalla complicada.

Publicado en 2005, Consign to Oblivion representa uno de los primeros grandes momentos de Epica. El álbum consolidó la fórmula que terminaría definiendo a la banda: guitarras pesadas, voces guturales, enormes arreglos sinfónicos y la voz de Simone Simons como contrapunto melódico.

Del otro lado tenemos Once, publicado por Nightwish en 2004 y probablemente uno de los álbumes más importantes de toda la historia del metal sinfónico. En él aparecen canciones como “Nemo”, “Wish I Had an Angel”, “Dark Chest of Wonders” y la monumental “Ghost Love Score”.

Consign to Oblivion es un gran álbum y ocupa un lugar especial dentro de la discografía de Epica, pero Once tiene una colección de canciones prácticamente imbatible.

Ganador: Nightwish – Once

Marcador: Epica 0 – Nightwish 1

2. Mejor canción: Cry for the Moon vs Nemo

Epica – Cry for the Moon
Nightwish – Nemo

Ahora enfrentamos probablemente las dos canciones que mejor representan los primeros años de ambas bandas.

Nemo es uno de los grandes himnos de Nightwish. Su melodía de piano, el enorme estribillo y la interpretación de Tarja Turunen hicieron que la canción trascendiera incluso fuera de los seguidores habituales del metal.

Pero mi voto va para “Cry for the Moon”.

La canción contiene prácticamente todo lo que hace especial a Epica: contrastes entre voces limpias y guturales, coros, cambios de intensidad, guitarras pesadas y una estructura mucho más cercana a una pequeña composición cinematográfica que a una canción convencional.

Además, sigue siendo la canción más escuchada de Epica en Spotify, con más de 37 millones de reproduccionesregistradas en agosto de 2026.

Nemo es más popular —supera los 136 millones de reproducciones—, pero si hablamos de cuál representa mejor el metal sinfónico que propone cada banda, me quedo con Epica.

Ganador: Epica – Cry for the Moon

Marcador: Epica 1 – Nightwish 1

3. Mejor vocalista: Simone Simons vs Tarja Turunen

Probablemente esta sea la categoría más difícil de todo el versus.

Tarja Turunen fue una pieza fundamental para el nacimiento del sonido clásico de Nightwish. Su formación lírica y su voz de soprano hicieron que la combinación entre metal y canto operístico sonara verdaderamente diferente cuando la banda comenzó a ganar popularidad.

Sin Tarja es difícil imaginar la evolución inicial del metal sinfónico tal y como lo conocemos actualmente.

Pero enfrente está Simone Simons.

Simone ha desarrollado con los años una enorme versatilidad. Puede utilizar una aproximación clásica cuando la canción lo requiere, pero también cantar de una manera mucho más contemporánea, melódica e incluso íntima.

Además, su evolución vocal durante la carrera de Epica ha sido extraordinaria.

Aquí la diferencia es mínima. Tarja probablemente tenga una de las voces más reconocibles de la historia del género, pero por versatilidad, evolución y adaptación a diferentes estilos dentro de una misma banda, mi voto termina siendo para Simone.

Ganadora: Simone Simons – Epica

Marcador: Epica 2 – Nightwish 1

4. Mejor discografía: Epica vs Nightwish

Aquí no estamos buscando el mejor álbum individual. Estamos evaluando toda la carrera.

Nightwish posee varios discos fundamentales para entender la historia del metal sinfónico: Oceanborn, Wishmaster, Century Child y Once pertenecen a una etapa prácticamente legendaria de la banda.

También ha sabido reinventarse después de la salida de Tarja Turunen, primero con Anette Olzon y posteriormente con Floor Jansen.

Sin embargo, cuando hablamos exclusivamente de consistencia discográfica, Epica tiene una pequeña ventaja.

Desde The Phantom Agony hasta discos como The Divine Conspiracy, Design Your Universe, The Quantum Enigma, Omega y Aspiral, la banda ha evolucionado progresivamente sin perder demasiado de su identidad.

Epica puede tener menos canciones universalmente conocidas que Nightwish, pero posiblemente tenga una de las discografías más consistentes del metal sinfónico.

Hay pocos discos realmente débiles dentro de su catálogo.

Ganador: Epica

Marcador: Epica 3 – Nightwish 1

5. Mejor portada: Consign to Oblivion vs Century Child

Epica – Consign to Oblivion
Nightwish – Century Child

Esta categoría es completamente visual y subjetiva, pero también forma parte de la identidad de un álbum.

Century Child tiene una de las portadas más reconocibles de la primera época de Nightwish. Su estética melancólica encaja perfectamente con la atmósfera emocional del disco.

Sin embargo, mi voto vuelve a ir hacia Consign to Oblivion.

La imagen monumental utilizada por Epica transmite perfectamente la temática del álbum y esa sensación de grandiosidad que caracteriza a la banda.

Es una portada que inmediatamente te hace pensar en algo épico, antiguo y misterioso.

Y pocas palabras describen mejor la música de Epica.

Ganador: Epica – Consign to Oblivion

Marcador: Epica 4 – Nightwish 1

6. Mejor concierto: The Symphonic Synergy vs End of an Era

Llegamos a la última categoría con dos conciertos absolutamente espectaculares.

Por Nightwish tenemos End of an Era, uno de los conciertos más importantes de la historia de la banda y también uno de los más emotivos.

El concierto fue grabado durante la gira de Once y terminó convirtiéndose en algo todavía más importante debido a que representó el final de la primera gran etapa de Nightwish con Tarja Turunen.

Canciones como Dark Chest of Wonders, Nemo, Wishmaster o Ghost Love Score hacen que el concierto sea prácticamente una cápsula del tiempo del Nightwish clásico.

Pero Epica tiene una respuesta gigantesca:

The Symphonic Synergy.

El concepto lleva la propuesta de Epica a su máxima expresión: banda, orquesta completa y coro compartiendo escenario.

Epica realizó estos conciertos en Ámsterdam y posteriormente en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México, donde la demanda fue tan alta que la primera fecha agotó alrededor de diez meses antes del concierto y tuvo que añadirse una segunda presentación.

Aquí Epica deja de ser simplemente una banda de metal acompañada por elementos orquestales.

Se convierte literalmente en un espectáculo sinfónico.

Por producción, arreglos, sonido y ambición, mi punto va para Epica.

Ganador: Epica – The Symphonic Synergy

Marcador final: Epica 5 – Nightwish 1

El cargo Epica vs Nightwish: ¿Quién es la mejor banda de metal sinfónico? apareció primero en Arturock.